Le mardi 28 juin de 8h30 à 10h30

« Après Futur-en-Seine. Open Data, Fablabs, Monnaies complémentaires. Vers une économie de la contribution »

Des nouveaux lieux qui émergent à l’exemple des FabLabs.

Lieux de co-création et de prototypage, les FabLabs revalorisent la figure de « l’artisan » en s’appuyant notamment sur le micro-factoring. De nouvelles pratiques y apparaissent, hybridation de la fabrication numérique, de la culture open source, d’un nouvel art du bricolage (bricodage).

http://fr.amiando.com/event_28juin.html?page=559454

Lundi 20 juin :: 17h-20h
« Quels instruments pour les amateurs dans le contexte des fablabs ? »
Cette conférence coordonnée par l’Institut de Recherche et d’Innovation du Centre Pompidou portera sur la figure de l’amateur dans les Fablabs et s’interrogera sur la manière dont on peut l’accompagner (conceptuellement, institutionnellement, technologiquement), ainsi que sur la portée sociétale de ce mouvement de réappropriation des technologies.
Armen Khatchatourov : Introduction.
Coup de projecteur sur les projets – 30 minutes
Vincent Guimas : MagLab Mobile
Antoine Mazières : Fabelier
Session 1 : Quels instruments pour amateur ?  - 1 heure
François Brument (ENSCI) : Le rôle du designer dans un FabLab et sa capacité à développer des outils permettant au plus grand nombre de co-concevoir des objets
Vincent Guimas (Ars Longa / Nouvelle Fabrique) : La Nouvelle fabrique : lieu et lien social
Session 2 : Enjeux sociaux des FabLabs - 1 heure
Serge Proulx (UQAM, Télécom-ParisTech) : La puissance d’agir d’une culture de la contribution.
Dominique Cardon (EHESS, Orange) : Des objets et des savoir-faire de l’amateur. Exemple de la blogosphère cuisine.

http://www.iri.centrepompidou.fr/evenement/conference-fablab/

Lundi 23 mai à 19h30
« Se transformer les uns les autres »
Une voie pour l’avenir de l’humanité. Une soirée animée par Philippe Lemoine avec la complicité artistique de Jean-Michel Ribes.étroite avec l’association et la municipalité

http://www.pixelache.ac/helsinki/festival-2011/

Dans l’économie créative, le créateur est l’acteur fondamental du marché sur lequel il existe le moins de données quantitatives, il n’obéit pas aux caractéristiques habituelles d’une unité de production sur un marché quelconque pour la simple raison qu’il ne répond pas à un besoin. Tel que le voit le marché, l’artiste peut difficilement être appréhendé seul, ce sont les galeries d’art qui le produisent et diffusent son image et ses oeuvres.[1] Mais “Les galeries d’art sont passées, au début des années 1990, d’une fonction d’intermédiation à une fonction de production, dans un contexte de mondialisation des échanges. Dès lors, on a assisté à la transformation du marché en un « oligopole à frange, dans lequel le noyau dur est constitué d’un nombre réduit de structures bénéficiant d’une solide assise financière et d’une capacité d’expertise (maisons de vente aux enchères, grande galerie…) ; tandis que la frange est composée de nombreuses petites structures, proches des tendances nouvelles du marché mais à l’existence fragile (petites galeries entrepreneuriales, collectifs d’artistes). « [2] La « frange » reste à l’affût des nouveautés, mais dans une position très vulnérable[3] où l’accompagnement des artistes dans leur processus créatif doit revêtir la forme d’engagements inédits et de nouvelles procédures de travail : les galeries, collectifs et associations culturelles jouent souvent le rôle de producteurs pour les artistes. Pour certaines œuvres, elles se rapprochent même d’une économie de services, plus voisine de l’économie du spectacle vivant que de l’économie patrimoniale sur laquelle repose traditionnellement le marché de l’art.

Lieu de réflexion sur les relations entre création, recherche et société,la Nouvelle Fabrique défend la position de l’artiste engagé dans ses phases de « recherche fondamentale » ou de « recherche appliquée ». LA Nouvelle Fabrique peut ainsi soutenir les créations les plus « décalées » ou « inutiles » dans l’enthousiasme de la recherche sans but, comme celles s’engageant dans des processus d’applicabilités sociales et techniques.

Engagée sur son territoire, elle s’intéresse particulièrement à la production du social et à la transformation de la ville de part les nombreux projets qu’elle développe. Il est essentiel de comprendre les relations entre technologie, culture, espace public, transformations urbaines et gentrification à l’œuvre dans le quartier où elle a opéré ces dernières années. Deux domaines de recherche associant art et technologie ont ainsi construit certains espaces de réflexion de la Nouvelle Fabrique : la psychogéographie urbaine et le design de/dans l’espace public

- Ces dernières années de multiples projets qui explorent de manière extensive les pratiques de l’espace public dans le Nord-Est Parisien furent présentés à la galerie Ars Longa : de l’Atelier de Géographie Parallèle[4], aux ateliers de développement de cartes émotionnelles avec l’artiste britannique Christian Nold[5], au projet Siren Shields du collectif Hehe[6] ou au vélo FRIDA V de l’artiste slovène Luka Frelih[7].

Le dernier projet soutenu par l’association, Plus Près, est né d’une observation. La ville construit de nouvelles architectures silencieuses, des mobiliers urbains « dissuasifs » appelés « anti-sites ». Action artistique, collective et participative, le projet s’active grâce aux enquêtes des habitants sur leur territoire pour documenter puis ré-enchanter ces lieux verrouillés ou oubliés. Plus Près s’intéresse aux lieux interstitiels (entre deux) ou zone tampon (entre grille et stade…) ou autres espaces intermédiaires, notamment naturels. Plus Près a pour objectif de reconstruire un dialogue sur les usages de la ville.[8]

- Enfin Ars Longa, avec le projet Nouvelle Fabrique, s’intéresse aux innovations en matière de design développées par les jeunes structures de design dans le Nord-Est Parisien. Il est à remarquer que le dernier rapport sur les Industries Créatives en Ile-de-France montre l’intérêt récent de l’Ile-de-France à soutenir les industries de design et à en faire un facteur de développement économique dans le « creative district » du Nord-Est parisien[9]. Dans ce contexte, s’inspirant du mouvement FabLab – la démocratisation de la production et sa relocalisation par le biais des outils numériques – Ars Longa soutient le collectif de designers Studio Lo dans le développement du Mag/Lab, une unité mobile de création et de diffusion d’objets et services. Il est animé par des designers-producteurs qui réalisent leur projet grâce à une machine-outil à commande numérique : le FabBot. Le Mag/Lab ambitionne d’occuper aussi bien le terrain de l’innovation technologique que sociale, en expérimentant un nouveau type de service de proximité et donc un nouveau modèle d’activité. Le Mag/Lab se construit sur un constat et une hypothèse : les grandes métropoles ont transformé en quelques décennies l’espace public en un espace marchand où chaque quartier tend vers de mêmes standards de consommation et où les franchises mondiales ont installé une forme de monotonie urbaine et de rupture du lien social qu’apportait le commerce de proximité classique. Cette homogénéisation, ce nivellement par le bas des singularités du territoire sur un espace urbain dense et complexe qu’on appelle la métropole à pour conséquence un appauvrissement du « vivre ensemble ». L’innovation sociale et économique de la cité passe par une redéfinition de ce « vivre ensemble », par notre capacité à ré-enchanter les modes d’échange sur un territoire ? Le Mag/Lab propose de ré-inventer un savoir-faire local à l’écoute du citoyen (participatif), facteur d’un savoir vivre collectif.

Dans son livre déjà cité ici, Matteo Pasquinelli[10] constate que le “mode artistique de production” est devenu aujourd’hui une large “fabrique de l’immatériel”. A Paris et dans toute l’Europe, nous sommes témoins de la condensation d’une forme particulière de capital culturel comme force meneuse derrière le foncier et la stratégie des “creatives cities” de mairies et conseils généraux souhaitant à la fois attirer des investissements et des travailleurs hautement qualifiés. Comme résultat, le business foncier a établi une machinerie perverse en alliance avec le monde de l’art et les producteurs culturels. Même si pendant des décennies la contre-culture a nourri le spectacle et les industries culturelles d’idées fraîches, pour la première fois, la génération actuelle des sous-cultures urbaines doit faire immédiatement face aux produits dérivés bien concrets de leur “travail symbolique”. La créativité sociale a été massivement sécularisée et neutralisée, les coordonnées sociales de l’art ont donc besoin d’être radicalement repensées. Allant au-delà de “L’art à l’heure de sa reproductibilité mécanique” de Walter Benjamin, la société vit maintenant “Les artistes à l’heure de leur reproductibilité sociale”. Le concept de “Fabrique de la Culture” proposé par Matteo Pasquinelli (factory of culture) est une proposition alternative qui pense que la production contemporaine de la culture est bien plus complexe, machinique, sociale et conflictuelle que ce que les modèles institutionnels à la mode promeuvent derrière le mot-clé “créativité” : il s’agit réellement d’une fabrique. Cette idée de Fabrique de la Culture pourrait déjà avoir pour objectif de renouveler les cultures urbaines, et non de les figer comme il se passe dans les trois niveaux généralement en usage dans les processus de gentrification. Transformer le processus dit classique, par la réinvention des pratiques locales de jardinage, de repas de quartier, et du mode de vie social ; le processus dit “moderne”, par la réinvention des « sous-cultures » de rue ; et le processus dit “créatif”, par la réinvention d’un rapport entre industries créatives, recherche, éducation et art[11]. La rencontre des concepts d’Industries Créatives, d’économie créative, de Creative Commons, de “lieux diffuseurs de culture”, avec les propositions alternatives de “communs autonomes”, “d’innovation sociale”, de “fabrique du social” et “d’Industries Sociales”, représentent une carte conceptuelle initiale de l’ensemble des dispositifs de la “Fabrique de la Culture”. Cet effort est destiné à ce que l’invisible architecture de l’économie culturelle émerge enfin au-dessus de la ligne d’horizon de la métropole.

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[1] “Sur ce terrain, la France, est marquée par un déficit d’artistes contemporains renommés et ce, malgré le savoir-faire de ses écoles artistiques et de ses nombreuses galeries d’art. Pour qualifier la place parisienne, ArtPrice écrivait ceci dans son magazine Art Market Trends en 2007: « ’Alors que New York, Londres, Beijing et Hong Kong se disputent l’essentiel des ventes importantes d’art contemporain, le marché de l’art français fait de plus en plus figure de grenier. A l’échelle mondiale, la part des artistes nés après 1945 dans le produit des ventes de Fine Art s’élève à 9,9% (art contemporain). En France, il est réduit à 2,8% ! Le marché des ventes publiques françaises se fossilise. Les ventes de photographie primitive, la peinture XIXème et l’Art Déco sont des niches dans lesquelles la France s’est peu à peu retranchée ». Ainsi, l’art contemporain, supposé être le relais de croissance du marché de l’art dans son ensemble, paraît presque marginal, alors qu’il fait partout ailleurs l’objet des résultats les plus spectaculaires.” Les industries créatives en Ile-de-France, Institut d’Aménagement et d’Urbanisme de la Région d’Ile-de-France, mars 2010

[2] Les galeries d’art contemporain en France, F. Benhamou, N. Moureau et D. Sagot-Duvauroux, La Documentation Française, 2001.

[3] Les industries créatives en Ile-de-France, Institut d’Aménagement et d’Urbanisme de la Région d’Ile-de-France, mars 2010

[4] L’Atelier de Géographie Parallèle, composé de l’écrivain Philippe Vasset et des artistes Xavier Courteix et Xavier Bismuth, détourne et s’approprie les outils de la géographie pour explorer l’espace d’une autre manière. Il s’intéresse particulièrement aux zones blanches, ces lieux indéterminés, en marge des villes, pour lesquels les cartes IGN restent muettes. (http://www.unsiteblanc.com)

[5] Les participants réunis en atelier à Ars Longa ont réalisé des parcours dans l’est de la capitale, munis d’un dispositif portatif capable d’enregistrer à la fois leurs émotions et leur localisation géographique. Les personnes explorent leur quartier en marchant avec l’appareil d’enregistrement. A leur retour, une carte est créée qui permet de visualiser les niveaux d’excitation en fonction des différents déplacements. (http://www.paris.emotionmap.net)

[6] Les artistes ont développé des boîtiers de vidéo surveillance, incluant une application logicielle de leur fabrication, qui ne se déclenchent qu’aux chants des sirènes de police. Surveillant ainsi ceux qui nous surveillent à partir des balcons des habitants. (hehe.org)

[7] FRIDA V prend la forme d’une « box » contenant un ensemble de capteurs. Ils analysent et compilent les informations du cycliste : pollution atmosphérique (capteurs de gaz), wifi ouverts dans la ville (routeur Wifi), position géographique (GPS), documentation audiovisuelle des parcours (caméra et microphone). Le projet a été présenté à Futur en Seine en 2009. (http://fridav.ljudmila.org)

[8] Http://www.pluspres.org

[9] « Parmi les industries créatives, le design constitue pour l’Ile-de-France une activité créative à fort potentiel. Il représente le lien entre la créativité – définie comme la génération de nouvelles idées – et l’innovation – définie comme la réussite de l’exploitation de nouvelles idées. Il participe du développement global de l’économie de l’immatériel, avec des caractéristiques particulièrement favorables, son pouvoir diffusant et dynamisant pour l’activité économique, son aptitude spécifique à se développer dans une grande métropole, ainsi que sa capacité à valoriser l’image de la région capitale et à améliorer son attractivité. » Le rapport constate que « Deux établissements sur trois sont implantés dans Paris. La répartition met en évidence une prépondérance du nord-est parisien qui concentre près de 58% des structures, essentiellement dans les 11e, 10e, 12e, 20e et 18e arrondissements (…) Cette situation contrastée est fortement liée au prix du foncier, l’est parisien étant plus abordable que l’ouest et à même de favoriser l’installation de jeunes structures alors que les prix de l’ouest parisien repoussent les entreprises en proche couronne. » Les industries créatives en Ile-de-France, Institut d’Aménagement et d’Urbanisme de la Région d’Ile-de-France, mars 2010.

[10] Matteo Pasquinelli, Animal Spirits: A Bestiary of the Commons, Rotterdam: NAi Publishers / Institute of Network Cultures, December 2008.

[11] Des initiatives récentes sont à signaler dans ce domaine. La e-culture fair qui s’est tenue à Dortmund cet été et qui tentait de renouveler le dialogue art, recherche et industries créatives, au-delà des discours “créatifs” stéréotypés (http://www.eculturefair2010.eu). De même nous pouvons citer le projet exemplaire développé par Muf Architecture/Art et J&L Gibbons Landscape Architects, dans le quartier de Dalston à Londres, à proximité du prochain site des Jeux Olympiques. Les cabinets Muf & JL Gibbons ont notamment invité le collectif d’architectes français EXYZT à travailler sur des parcelles délaissés en lien direct avec les populations locales de ce quartier populaire autour d’activités de jardinage, de cuisine et de street culture (projet “Dalston Barn” et Dalston Garden). L’initiative générale de Muf&LJG avait pour volonté de critiquer le plan d’urbanisme comme étant détaché des réalités locales et et un des succès a été de montrer que les choses qui ont finalement été réalisées en premier par les participants étaient celles dont le plan directeur faisait cruellement défaut. Si la Big Society du tories David Cameron, “faire du grand avec du petit”, devait commencer quelque part, c’est peut-être dans l’expérience de Dalston qu’il faudrait aller chercher…

Dans la décennie Internet nous avons ainsi assister au déclassement massif des travailleurs cognitifs jusqu’alors salariés pour la plupart, en un vaste système “freelance” signifiant en réalité travail précaire. Cette fausse promesse d’autonomie ne constitue en réalité pour les “middle players” qu’une perte de pouvoir dans l’entreprise. Elle accompagne la transformation “néo-féodale” de la Société de l’Information dans un scénario polarisé où quelques barons possèdent l’ensemble de l’infrastructure de communication (aux niveaux, hardware, protocoles, méta-données, réseaux sociaux)[1] et font face à une multitude de travailleurs cognitifs “créatifs”. L’économie 2.0 qui accompagne cette transformation est en réalité largement nourrie par le déclassement de la production de contenus créatifs (tous contributeurs bénévoles de blogs, de fiches profils pour le marketing ciblé, acteurs inconscients de “focus groups” non rémunérés) où le concept de “sagesse des foules” sert d’opium pour les masses. Au milieu de tout cela se situe “la crise”, la déstabilisation de la classe moyenne dans l’âge numérique.

Il faut alors peut-être rappeler des définitions de base de la place de l’individu face à la production d’une création singulière. L’artiste se voit en général comme un artisan, alors que le créatif exercerait dans le domaine industriel :

“L’artisanat est le domaine du geste manuel répété dans le temps, du prototype unique ou en nombre très limité, dont la production est caractérisée par un coût marginal non décroissant et des gains de productivité nuls ou très faibles. Le produit issu de ce mode de production est unique ou parfois répétitible, mais non reproductible en grand nombre : son marché sera limité en volume et souvent captif.

L’industrie est le domaine de la machine permettant de reproduire le prototype en grand nombre, en série, avec un coût marginal décroissant induisant des économies de production et avec de forts gains de productivité. Le produit issu de ce mode de production est donc reproductible et standardisé : son marché sera très élevé en volume, induisant d’importantes économies d’échelle et permettant d’importantes baisses des prix à la consommation.”[2]

L’acception générale “Industries Créatives” définit comme son nom l’indique un secteur industriel mais ne peut cependant pas constituer véritablement un cadre statutaire satisfaisant pour les artistes-artisans car il est essentiellement représentatif des travailleurs du secteur de la reproductibilité technique (publicité, médias, disques, livres, etc.). Elle permet en réalité de définir l’emploi immatériel, c’est-à-dire l’ensemble des actifs ayant soit une profession créative dans un secteur créatif ou dans un autre secteur soit travaillant dans une unité économique du secteur créatif. Parler d’industries créatives plutôt que d’emploi culturel ou créatif permet ainsi d’encadrer la place de l’emploi immatériel dans tous les secteurs économiques.[3] La position de l’artiste-artisan reste quant à elle très floue dans cette organisation sectorielle.

Dans une société où la rentabilité est exigée à tous les niveaux, les préoccupations des artistes rejoignent en quelque sorte celles des chercheurs. A l’heure où la « recherche fondamentale » est stigmatisée pour sa non-rentabilité et la « recherche appliquée » encensée pour son réalisme commerciale ; où la distinction entre « recherche fondamentale » et « recherche appliquée » est elle même critiquée par les chercheurs qui veulent « sauver la recherche » en disant qu’il ne faut parler que de « recherche et développement »[4] ; il convient de rappeler les qualités intrinsèques à chaque approche.

L’artiste engagé dans une phase de « recherche », comme le scientifique engagé dans une « recherche fondamentale », est débarrassé des exigences de résultat, il peut se laisser guider par le hasard de la sérendipité, il peut améliorer ses connaissances, affiner son propos, creuser ses propres préoccupations, être sans concession avec le contexte de création et la société qui l’entoure. Il n’y a pas nécessairement création d’une œuvre au bout d’un processus de réflexion, d’une résidence, ou d’une bourse de recherche. De même, l’artiste peut un moment entrer dans une phase de « recherche appliquée », phase qui pourra mener, par la collaboration avec une entreprise ou par la mise en œuvre de processus techniques, à la création d’une œuvre artistique nouvelle.

Toutes les démarches qui visent à faire collaborer les artistes avec des entreprises de nouvelles technologies devraient être clairement conscientes de cela.

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[1] L’internet devient de plus en plus une stratification de protocoles unidimensionnels. Prenez Myspace, Facebook, Youtube, Twitter, chaque plateforme numérique est devenue hégémonique en peu de temps. Sans parler même des propriétaires hardware.

[2] Rapport Art-Science-Technologie, Jean-Claude Risset, Ministère de l’Éducation Nationale, de la Recherche et de la Technologie, 1998.

[3] Les industries créatives en Ile-de-France, Institut d’Aménagement et d’Urbanisme de la Région Ile-de-France, Mars 2010.

[4] « Recherche Fondamentale et Recherche Appliquée, des notions qui ne veulent rien dire », Marc Rousset, CNRS, Sauvons la Recherche, 2004.

Merci à Annick Bureaud, olats.org, pour avoir éclairer nos réflexions.